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La Suite 01

La Suite 01

Je connais des gens qui ne comprennent pas pourquoi il devrait y avoir une symphonie de Haydn ou de Brahms en plus de la « Symphonie » de Beethoven.

Sans compter qu’apparemment Beethoven a écrit plus d’une œuvre du même nom.

Mais c’est une erreur facile à éclaircir. Il suffit de se rendre compte que les titres des morceaux de musique ne sont pas des noms propres, mais des noms génériques.

La façon la plus simple de comprendre cela est de le comparer à la littérature. Il y a aussi différents genres comme le roman, un poème ou un essai. Cela décrit simplement la forme sous laquelle le livre a été écrit, tout comme la symphonie, la sonate ou la chanson le font en musique.

Synonyme de la « Symphonie no 1 » de Beethoven, on pourrait aussi décrire « Les Buddenbrook » comme Th. Le roman numéro un de Mann.

 

 

Dans la littérature, les œuvres individuelles sont nommées parce qu’il s’agit d’une forme d’art basée sur le mot écrit. Ce n’est pas le cas en musique. Ici, les titres ne doivent pas détourner l’attention de l’essentiel, la musique, et elle doit parler d’elle-même. Par conséquent, les noms ne servent qu’à indiquer la forme sous laquelle la musique a été écrite et à distinguer les œuvres individuelles les unes des autres.

 

Au cours des 500 dernières années, une quantité incroyable de différentes formes de musique s’est développée. Nous en sommes à peine conscients, parce que les seuls dont nous nous occupons normalement sont la chanson simple ou la musique que nous connaissons comme fond sonore à la télévision.

Mais c’était différent avant. Il existe d’innombrables genres musicaux, tous plus ou moins différents les uns des autres, selon l’usage que l’on en faisait et ce que l’on voulait exprimer avec la musique.

 

L’un des premiers genres musicaux est la « Suite ». Aujourd’hui, je voulais parler des six « Suites pour violoncelle » de J.S. Bach, mais j’ai remarqué que je n’avais pas grand chose à dire à leur sujet. Parce que je n’ai même plus compris comment la suite est née et d’où elle vient.

J’ai donc retiré mes livres poussiéreux de l’étagère et je me suis lu de nouveau dans le sujet. Dans les prochains articles, je vais essayer de vous donner un petit aperçu du développement de la suite. Ce n’est qu’à ce moment-là que l’on pourra parler de leur point culminant dans l’œuvre de Bach.

 

 

Au centre se trouve une suite de mouvements de danse, c’est-à-dire une musique qui a évolué au fil du temps pour les fêtes et le divertissement. C’est pourquoi je voudrais d’abord parler de danses et de rythmes.

 

Il y a une expérience intéressante. Les musicologues se sont penchés sur les paramètres les plus importants pour reconnaître une œuvre : la mélodie ou le rythme.

Dans le cadre d’une expérience, des chansons simples et familières ont été jouées à l’auditoire. Dans un cas avec la bonne mélodie, mais un rythme complètement différent, dans l’autre cas avec une mélodie librement inventée mais dans le bon rythme.

Le résultat était que les chansons n’étaient reconnues que si elles étaient jouées dans le bon rythme. Cela n’a presque jamais été le cas dans la deuxième série d’expériences.

Comment pouvons-nous aussi le vérifier avec nous-mêmes quand nous pensons à « Little Hans ». Par son rythme concis, court-court-long, court-court-long, court-court-court-court-court-court-…. on le reconnaîtrait probablement à n’importe quelle mélodie.

 

Ce résultat n’est surprenant qu’à première vue, car il faut se rappeler que le rythme est quelque chose de primordial. Déjà l’enfant grandit en contact direct avec les battements du cœur de sa mère et notre vie suit un rythme individuel, qu’il s’agisse de notre respiration, de notre mélodie vocale ou de notre façon de marcher.

Même en groupe, un rythme commun, que ce soit en applaudissant ou en chantant ensemble, est important pour le sentiment d’unité et de bien-être. On le voit très bien lors de concerts de rock ou de divers festivals folkloriques.

 

Il y a des milliers d’années déjà, cette méthode était utilisée dans les actions rituelles en créant une transe commune par des applaudissements et des tamponnements. A partir de là, les premières danses se sont développées sur de nombreuses étapes intermédiaires et se sont détachées de toute signification rituelle.

 

 

Faisons maintenant un saut dans l’histoire et examinons l’évolution au Moyen Âge.

A cette époque, une riche tradition de musique de danse s’était déjà développée sous nos latitudes. En raison du désir de l’époque d’obtenir la plus grande variété possible, la forme des danses a été conçue de telle sorte qu’une danse de saut de bar bizarre a suivi une danse de pas égale.

En Allemagne, ces danses s’appelaient Dantz et Hupfauf, à la cour Pavane et Gagliarde. Dans d’autres pays, ces danses avaient des noms différents (Pavane et Saltarello, Pavan et Galliard), mais le principe de la formation des couples restait le même partout.

 

La forme de ces danses était bien connue et populaire parmi le peuple. Soit il y avait quelqu’un dans le village qui jouait pour la danse, soit il y avait des musiciens qui se déplaçaient de village en village et improvisaient sur les mélodies traditionnelles lors des fêtes.

Comme vous pouvez l’imaginer, ces musiciens n’avaient pas un statut élevé dans la société et leur musique n’était pas très respectée non plus. Elle était simplement transmise oralement et, contrairement à la musique d’église, elle n’était ni écrite ni stockée.

 

Ce n’est qu’au XVIe siècle que cette attitude a commencé à changer, pour plusieurs raisons interdépendantes.

En ce qui concerne notre sujet, le plus important est que dans les pays d’Europe culturellement les plus importants, en particulier en France, il y a eu des changements sociaux massifs qui ont créé des conditions particulièrement favorables à l’émergence et à la diffusion de la musique de danse polyphonique.

C’est là que le pouvoir central royal s’était enfin établi et que l’essor d’une bourgeoisie urbaine par le commerce et l’industrie s’est accompagné d’une bourgeoisie urbaine. Ainsi, d’une part, la cour royale avait besoin de musique pour ses festivals glamour et, d’autre part, la bourgeoisie utilisait de plus en plus la musique comme moyen de représentation et pour ses événements de divertissement.

En même temps, il y a eu d’importantes améliorations dans la fabrication des instruments pendant la Renaissance, ce qui a augmenté l’intérêt pour le jeu instrumental et les compétences des musiciens.

 

Tout cela a conduit non seulement à ce que la musique devienne plus importante, mais aussi à ce que les musiciens ne restent plus au bas de l’échelle d’un musicien de danse, mais soient reconnus socialement.

Dans le jeu, ils ont aussi commencé à prendre leur travail plus au sérieux et à écrire leurs interprétations des anciennes mélodies.

 

 

Le terme « Suite » s’est imposé comme terme collectif pour le dépôt écrit de ces mouvements de danse et de leur collection en livrets.

Au début, les danses traditionnelles étaient simplement rassemblées, mais bientôt les musiciens ont commencé à créer et à imprimer leurs propres compositions.

 

Au début, il n’y avait pas de norme uniforme dans la séquence des mouvements, mais jusqu’au milieu du XVIIe siècle, elle est simplement restée une collection arbitraire de mouvements de danse. Mais d’un pays à l’autre, des conventions fermes ont été établies, quelles danses ont été utilisées et sous quelle forme elles ont été enfilées ensemble.

 

À l’époque baroque, la suite a finalement connu son apogée et le terme « suite » désigne une composition instrumentale composée de plusieurs mouvements de la même tonalité et de caractère essentiellement dansant. Ils étaient encore basés sur des danses traditionnelles, mais au fond, c’était de la pure musique d’art.

 

Mais avant d’examiner de plus près la suite baroque, jetons un coup d’œil aux danses qui formeront le noyau de la suite la prochaine fois.

Ce sont la Pavane, la Galliarda, l’Allemande et la Courante, la Chaconne, la Bourrée, la Sarabande et la Gavotte, le Siciliano, la Gigue, le Menuett et la Polonaise.

 

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