Conosco alcune persone che non capiscono perché, oltre alla “Sinfonia” di Beethoven, dovrebbe esserci una sinfonia di Haydn o Brahms.
Per non parlare del fatto che apparentemente Beethoven ha scritto più di un’opera con lo stesso nome.
Ma questo è un errore facile da chiarire. Basta rendersi conto che i titoli dei brani musicali non sono nomi propri, ma nomi generici.
Il modo più semplice per capirlo è confrontarlo con la letteratura. Ci sono anche generi diversi come il romanzo, una poesia o un saggio. Questo descrive semplicemente la forma in cui il libro è stato scritto, proprio come fanno la sinfonia, la sonata o la canzone nella musica.
Sinonimo della “Sinfonia n. 1” di Beethoven, si potrebbe anche descrivere “The Buddenbrooks” come Th. Il romanzo numero uno di Mann.
In letteratura, le singole opere sono nominate perché si tratta di una forma d’arte basata sulla parola scritta. Questo non è il caso della musica. Qui i titoli non dovrebbero distrarre dalla cosa principale, la musica, e dovrebbe parlare per se stessa. Pertanto, i nomi servono solo come indicazione della forma in cui la musica è stata scritta e per distinguere le singole opere l’una dall’altra.
Negli ultimi 500 anni si è sviluppata un’incredibile quantità di diverse forme di musica. Di questo non ce ne accorgiamo quasi più, perché gli unici di cui ci occupiamo normalmente sono la semplice canzone o la musica che conosciamo come sottofondo televisivo.
Ma una volta era diversa. Ci sono innumerevoli generi musicali, tutti più o meno diversi, a seconda di ciò per cui la musica è stata usata e di ciò che si voleva esprimere con essa.
Uno dei primi generi musicali è la “Suite”. Oggi volevo parlare delle sei “Cello Suites” di J.S. Bach, ma ho notato che non avevo molto da dire su di loro. Perché non mi è stato ancora chiaro come è nata la suite e dove si trovano le sue origini.
Così ho tolto i miei libri polverosi dagli scaffali e mi sono riletto nell’argomento. Nei prossimi articoli cercherò di darvi una piccola panoramica sullo sviluppo della suite. Solo allora per parlare del loro culmine nelle opere di Bach.
Al suo centro c’è una suite di movimenti di danza, cioè musica che si è evoluta nel tempo per feste e intrattenimento. Per questo motivo vorrei parlare prima di danze e ritmi.
C’è un esperimento interessante. I musicologi hanno indagato quali sono i parametri più importanti per riconoscere un’opera: la melodia o il ritmo.
In un esperimento sono state suonate al pubblico canzoni semplici e familiari. In un caso con la giusta melodia, ma con un ritmo completamente diverso, nell’altro caso con una melodia liberamente inventata ma con il giusto ritmo.
Il risultato fu che le canzoni venivano riconosciute solo se suonate al giusto ritmo. Questo non è stato quasi mai il caso della seconda serie di esperimenti.
Come possiamo verificarlo anche con noi stessi quando pensiamo a “Little Hans”. Attraverso il suo ritmo conciso, corto-corto-corto-corto-lungo, corto-corto-corto-corto-corto-corto….. probabilmente lo riconosceremmo con qualsiasi melodia.
Questo risultato è sorprendente a prima vista, perché dobbiamo ricordare che il ritmo è qualcosa di primordiale. Il bambino cresce già a diretto contatto con il battito cardiaco della madre e la nostra vita segue un ritmo individuale, non importa se è il nostro respiro, la nostra melodia della parola o il nostro modo di camminare.
Anche in gruppo, un ritmo comune, sia attraverso il battere le mani o il canto insieme, è importante per la sensazione di stare insieme e di benessere. Lo si può vedere molto bene nei concerti rock o in varie feste popolari.
Già migliaia di anni fa questo metodo è stato utilizzato nelle azioni rituali creando una trance comune con applausi e timbri. Da questo, le prime danze si sono sviluppate in molti passi intermedi e si sono distaccate da qualsiasi significato rituale.
Facciamo un salto nella storia e guardiamo agli sviluppi del Medioevo.
A questo punto una ricca tradizione di musica da ballo si era già sviluppata alle nostre latitudini. A causa del desiderio di quel tempo per la più grande varietà possibile, la forma delle danze è stato progettato in modo tale che un salto dispari bar jumping dance ha seguito un passo pari danza.
In Germania queste danze si chiamavano Dantz e Hupfauf, alla corte Pavane e Gagliarde. In altri paesi queste danze avevano nomi diversi (Pavane e Saltarello, Pavan e Galliard), ma il principio della formazione delle coppie rimase lo stesso ovunque.
La forma di queste danze era ben nota e popolare tra la gente. O c’era qualcuno in paese che suonava per la danza o c’erano musicisti che si spostavano di villaggio in villaggio e improvvisavano le melodie tradizionali durante le feste.
Come potete immaginare, questi musicisti non avevano uno status elevato nella società e anche il loro genere musicale non era molto rispettato. Era semplicemente trasmessa oralmente e, a differenza della musica sacra, non era né scritta né conservata.
Fu solo nel XVI secolo che questo atteggiamento cominciò a cambiare, e per questo ci sono diverse ragioni che si intrecciano tra loro.
Per quanto riguarda il nostro argomento, la cosa più importante è che nei paesi culturalmente più importanti d’Europa, specialmente in Francia, ci sono stati massicci cambiamenti sociali che hanno creato condizioni particolarmente favorevoli per la nascita e la diffusione della musica polifonica per la danza.
Qui il potere centrale reale si era finalmente affermato e, di pari passo con esso, la nascita di una borghesia urbana attraverso il commercio e l’industria. Così, da un lato, la corte reale aveva bisogno di musica per le sue feste glamour e, dall’altro, la borghesia usava sempre più spesso la musica come mezzo di rappresentazione e per le sue manifestazioni di divertimento.
Allo stesso tempo, durante il Rinascimento, ci sono stati significativi miglioramenti nella costruzione di strumenti, che hanno aumentato l’interesse sia per il suono strumentale che per le abilità degli esecutori.
Tutto ciò portò non solo a rendere più importante la musica, ma anche a far sì che i musicisti non rimanessero più al basso livello di un musicista di danza, ma fossero socialmente riconosciuti.
Nell’interazione cominciarono anche a prendere più seriamente il loro lavoro e a scrivere le loro interpretazioni delle vecchie melodie.
Il termine “Suite” si è affermato come termine collettivo per il deposito scritto di questi movimenti di danza e la loro raccolta in opuscoli.
All’inizio le danze tradizionali venivano semplicemente raccolte, ma ben presto i musicisti iniziarono a creare e stampare le proprie composizioni.
All’inizio non esisteva uno standard uniforme nella sequenza dei movimenti, ma fino alla metà del XVII secolo rimase semplicemente una collezione arbitraria di movimenti di danza. Ma da un paese all’altro furono stabilite delle convenzioni aziendali, quali danze venivano usate e in quale forma venivano messe insieme.
Nel periodo barocco, la suite conobbe finalmente il suo massimo splendore e il termine “suite” si riferisce a una composizione strumentale composta da più movimenti della stessa chiave e con carattere prevalentemente danzante. Erano ancora basate su danze tradizionali, ma nel loro nucleo era ormai musica d’arte pura.
Ma prima di dare un’occhiata più da vicino alla suite barocca, diamo un’occhiata alle danze che la prossima volta formano il nucleo della suite.
Sono le Pavane, la Galliarda, Allemande e Courante, la Ciaccona, la Bourrée, la Sarabande e Gavotte, il Siciliano, la Giga, la Menuett e la Polonaise.